中国画是植根中华民族土壤中的艺术，老百姓喜闻乐见，但是真正能看懂中国画的人还不是很多。为什么呢？因为甲国画的文化背景深厚，它的背后是中国传统文化，诸如中国的古典哲学中的辨证观念等等。道家哲学里的天人观、儒家哲学里的“仁”与“和谐”之说，都影响到中国画。一幅画的气息如果剑拔弩张、张牙舞爪，便不能称作和谐，更谈不上天人合一。古人用两个“俗”字形容画品低下，一个叫“恶俗”，一个叫“甜俗”，“恶俗”就是剑拔弩张、张牙舞爪。“甜俗”就是极尽妩媚之能事。禅是中国化的佛学，六朝以后的禅宗思想对中国画的影响也是很大的，对笔墨有直接影响。禅宗强调一种有无之间的东西，而笔墨恰恰是最好地表达这种有无之间的感觉，所以禅宗修养很深的人画境就不一般了，如王维、苏轼以及元、明、清季的高手笔下均有禅意。所以欣赏中国绘画离不开中国古典哲学背景。 　　什么叫好画呢？是要有境界，没有境界的画不是好画，像打油诗“黄狗身上白，白狗身上肿”就不能叫好诗。 　　诗不直言，以比兴的手法抒写心胸，叫诗言志。如“行到水穷处。坐看云起对”，含有无穷的韵味在其中，这才有诗意。画也要这样，含不尽之意于画外，这叫画意，这就是境界。好画一定要有境界，有一种延伸到画外很远的地方的意味。 　　有了意境，还要看这张画的气韵好不好。气韵是指一张画画得是活的还是死的，把一张画画活了，像人一样可以呼吸，这叫有气韵。要有气有韵，气和韵叉是两个概念，气是中国哲学专用词，它也用在医学上。中国书法和中国绘画都强调气韵。气韵指的是一种流动不息的生命精神。这个说起来很抽象，但我们能感觉到。医学上的气，许多都是具体的，你生气的时候肚子会胀。当你遇到挫折、感到万般无奈的时候，你会感到精神不振，老是叹气前人叫有气无力，气息很弱。气是可以感觉到的。虽然抽象，但中国人能感到气的存在，生气勃勃的生气就能感觉到。 　　气韵跟意境是两个概念，气韵是形成意境的重要条件。有气有韵，那这张画就是活的，有生机的。幅好画应该是有很好的生命状态的，而不应该是死气沉沉的。 　　古人说“人品不高，落笔无法”。这个观点甚为重要，说到气韵生动的关键所在。气韵指画也指人，人没有仟么气韵，画就谈不上气韵，气韵是通过笔和墨的效果表现出来的，如果满纸霸气、躁气就不好。所以“绘宗十二忌”中论述，忌浮、忌薄、忌俗、忌甜、忌巧、忌涩、忌板、忌刻等十二忌，跟做人如出一辙。一个人如果浮华甜俗，其作品肯定有问题。中国画特别讲究人格修养。作画要，懂这个道理，欣赏画同样要懂。 　　第三要有笔墨。要有笔有墨，笔笔见笔，见功夫。墨还要形成很好的墨韵，通过墨的色彩变化产生很好的墨韵。笔、墨分高下，这个话题很大。什么样的笔叫好笔，笔要有书法底蕴，有书法趣味，有起笔．有收笔，笔笔是笔，笔笔交代清清楚楚，而且有骨法。什么叫骨法?就是讲究笔的力度，张彦远说。“生死刚正谓之骨”，把骨法跟人格联系到一起，不狠琐，磊落、刚正、雍容才有阳刚正气，没有好的人格做不到。猥琐的笔、取巧的笔都不行。笔应如高山坠石，如屋漏痕、折钗股，有篆籀气，有书法意味才好看。像吴昌硕写的石鼓文，充满金石气。黄宾虹、齐白石、吴湖帆、潘天寿、李可染等一批大家做到了否则是算不得大家的。如果线条搔首弄姿，非常轻浮，那就不是好线。笔是用来写神气的，不仅仅是用来造形的，形再好，笔无力，也不行。西洋画的形画得非常准，但不讲究线，我们可以称它为好画，但不叫中国画。中国画对笔有非常固定和严格的要求，笔笔是笔，笔笔见笔，这才是中国画。 　　对于用笔，吕凤子先生理解得很好，他在《中国画法研究》里，以很长篇幅谈骨法用笔，从“生死刚正谓之骨”谈到人的修养。近百年来的大画家，像吴昌硕、黄宾虹、徐悲鸿、傅抱石等都有关于中国画用笔的论述。刘海粟用笔也很老辣，如千斤坠石，他曾经写了一本《中国绘画的六法论》其中谈笔的一大部分很精彩。大家喜欢看张大千画的仕女，却不知道张大千是如何研究用笔的。 　　笔以后还有墨，墨要求得“净”、“静”二字，心台彦沉得下。要有宋人“五日—水，十日一石”的静气，要以平和的状态进入创作。激情要；掩藏在笔墨之中，以笔底抒泻激情。 　　墨的魅力是通过丰富而多变的效果来展现的。黄宾虹总结出“五笔七墨”。“七墨”可以变化无穷，形成一个丰富多彩的世界。中国画比较讲究心象；是大自然在胸中消化之后的产物，这不同于西洋画的形象，涉及到造型的问题。中国画以线述形，不强调明暗、透视，它是散点透视，变自然法则为艺术法则。比例。吉构、解刮、透视不是第一位的，气韵生动是第一位的，比如画人，画得像只是手段，关键要画活，画出神采，点上眼睛人就活了。墙上的龙也不点眼睛，点上眼睛龙就飞了。这很有意思，一切都是为了画活。西洋画先重再现，近百年来才重表现。但800年前自勺中国元代，就开始追求表现意味儿。中国人对心象的表述，叫澄怀味象人与大自然融为一体，独与天地精神相往来，为山川写照传神这样表现出的东西，是完全经过消化的，所以中国画家观察自然，是“默识心记，烂熟于心”而后落笔，表达一种心迹。杨雄说书法“书为心画”，到苏东坡称“画为无声诗”，说王维是“诗中有画”、“画中有诗”。这是画家对自然的一种感受，这种观念表达出的物象就叫心象。 　　这样看来中国画确实不容易看懂。但是中国画最受老百姓喜灾，因为这是中国土生土长的产物。在欧美长不出中国画，在日本、韩国、越南等也长不出中国画来。只有在中国，经过了彩陶、青铜器以来的艺术嬗变，经过先秦诸子百家的思想积淀，经过中国社会文化的陶冶，使中国画成为独特的艺术，这是地道的中国传统文化的产物。所以要想弄懂中国画，要加强中国文化修养，加强中国古代文学修养，要经过多年的努力，不断积累这方面的知识。 　　一般看画的人都是看画得像不像，漂亮不漂亮，完整不完整，丰富不丰富。这是20世纪以来写实主义的观点。其实中国画首先是看画得活不活，深刻不深刻，笔意好不好，墨气好不好，境界深不深，格调高不高。所以就有写意一说，写意绝非草率之笔，写意是长期修养的沉淀，是学问积累的深入浅出，是心迹的剖白，情感的流露，格律诗就是写意。雪莱有一句诗，“冬天已经来了，春天还会远吗。”中国有句对应的诗，“子规夜半犹啼血，不信东风唤不回。”子规就是杜鹃乌，春季播种开始，一叫叫到半夜，叫回了东风，春国大地。这就是有境界。中国画有韵有味，是和诗同一个道理的。 　　中国画在形式上是诗、书、画、印结合。当然不一定每幅画必题待，但是每幅画要有诗境，每幅画要有题跋，题跋必须要讲内容，讲书法。所以我们看一幅中国画功夫何如，先看书法。另外还要看他的印，他应该自己会治印，不会治印也不要紧，但他用的印章不能将就，用水平低的印章说明眼光有问题。还有印文，齐白石用的印文就非常讲究，如“恨无长绳系日”、“天涯亭过客”等。画家没有文气，便容易出匠气和俗气了。 　　诗、书、画、印都是心声，是画面整体的效果。把它挂在墙上，慢慢欣赏．可以终日对坐慢慢看、天天看而不至厌倦。那就说明画里有内涵。黄宾虹的画就有内涵、有内在美，如一个朴实的村姑，没有浓妆艳抹，但是越看越美，质朴无华。黄宾虹强调的就是这个。